L'exercice de Josh Kline dans le porno de la pauvreté

Oh, la Whitney. Depuis plus d’une décennie, il a fait l’objet de critiques (justifiées) de ses politiques d’exploitation du travail, de ses approches symboliques de la diversité, de ses pratiques biennales élitistes, de ses collections à forte dominante masculine blanche et de ses décisions d’acquisition suspectes, ainsi que de la mise en avant d’un artiste blanc dont la pratique est le blackface et les associations avec les fabricants d'armes provoquent un exode des artistes de la Biennale 2019. Et il a la particularité d’être l’un des musées les plus chers de New York. Au milieu de ces critiques, le musée a réalisé une enquête sur la carrière des œuvres de Josh Kline, l'un des artistes qui ne s'est pas retiré de la Biennale de Whitney 2019.

Voici une liste de sujets abordés par le très occupé Kline dans Projects for a New American Century, actuellement exposé au Whitney Museum of American Art :

Iniquité:Les gadgets haut de gamme ont fusionné avec des versions moins chères – par exemple les ordinateurs Apple et Dell.

Chômage:Boules de verre en forme de virus COVID-19 contenant les détritus de la vie des gens.

L'environnement:Des tentes montrant comment pourraient vivre les personnes à faible revenu, un film sur la montée des eaux dans le futur Manhattan et des modèles de bâtiments en train de fondre.

Les travailleurs:Des vidéos de vrais gens de la classe ouvrière parlant de leur travail, ainsi que des impressions 3D désincarnées de mains et de têtes d'ouvriers.

Une nouvelle guerre civile américaine: Petites structures grises en ruines.

L’État surveillé :Des statues de flics avec des visages de Teletubbies et des caméras intégrées dans leurs uniformes, ainsi qu'une sculpture de dessin animé représentant un robot et un chien d'attaque.

Justice:George W. Bush et Karl Rove se sont rendus dans un faux-semblant merdique, pleurant et portant des uniformes de prison.

Surmédication :Sacs de perfusion intraveineuse contenant du liquide étiqueté comme étant un mélange de Ritalin, de Red Bull, d'espresso et d'autres médicaments et suppléments sur ordonnance.

La série comprend bien plus encore, comme des représentations de Kurt Cobain et Whitney Houston vivant à l'ère moderne, dans un bad deep fake (vous vous souvenez quand c'était ça ?), faisant quelque chose. Cela ressemble moins à une exposition de musée qu’à une exposition dans une galerie éphémère qui a pris, d’une manière ou d’une autre, des proportions gigantesques.

L’enquête est aussi fastidieuse et turgescente en personne que le laisse entendre la liste ci-dessus. Rien dans ces œuvres au nez n’est sublime ; au lieu de cela, ils basculent dans le pervers. Après tout, on peut interagir gratuitement avec des personnes réelles à faible revenu et de la classe ouvrière. Les visiteurs du musée (blancs et âgés, du moins lors de ma visite) regardant poliment les gens de la classe ouvrière – parfois démembrés – ressemblaient à un exercice de pornographie de pauvreté.

Le problème avec les œuvres n’est pas seulement qu’elles sont ennuyeuses et un peu dégueulasses ; le spectacle englobe ce que Guy Debord appelle le fétichisme de la marchandise. Les produits, fabriqués par ce qui doit être une énorme équipe d'artisans non crédités sous la direction de Kline, sont le but plutôt qu'un véritable message. (L’ironie de cette situation dans une exposition qui porte prétendument sur l’injustice de l’anonymisation du travail est quelque chose à voir.) Eusong Kim et Maya Isabella Mackrandilal ont nommé cela « l’esthétique blanche » dans une critique d’une autre exposition de Whitney : « Là où l’artiste-PDG emploie le travail des autres […] pour réaliser sa vision unique.

Le travail de Kline est moins une révélation de They Live des réalités sous-jacentes de la société capitaliste qu'une exposition incessante d'objets banals fabriqués avec la technologie actuelle. L’artiste ne propose aucune solution et n’implique pas directement le prétendu visiteur du musée. C'est un spectacle de bien-être et de mal-être.

À l'exception du message général vaguement décevant, le travail de Kline coche également de nombreuses cases « kitsch » traditionnelles de l'art. « Le kitsch est une expérience indirecte et des sensations simulées. Le kitsch change selon le style mais reste toujours le même. C’est étrange de ressentir le besoin de Clément Greenberg, mais nous y sommes.

Le kitsch en tant qu'art peut fonctionner, mais la différence entre les œuvres de Kline et, disons, Komar et Melamid ou NSK ou le meilleur du Pop Art ou même Kehinde Wiley est que ces artistes subvertissent la culture kitsch en utilisant les outils du kitsch, et les œuvres peuvent soyez assez intelligent.